＂书如其人＂，一件书法作品从整体构思、布局，到每一个字的结体、章法、线条的性格，无不凝聚着作者一身的艺术审美追求，其中包括学养、技能、性格、气质、意志等多方面的心理特征。

但是，尽管如此它的抽象性特点，毅然决定着表现形象是模糊的。只能大体反映作者的主体精神，不可能一一对应某种个性、某个情绪。

唐代书法家、书法理论家张怀瓘在其《文字学》中，曾有过这样一段至今仍然值得我们深思的话：＂文则数言，乃成其意。书则一字，已见其心。可谓得简易之道。欲知奇妙，初观莫测，久视弥珍。虽书缄藏，而心追目极，情犹眷眷者，是为妙矣。＂其意思是说：一篇好文章需要许多句话，才能表达作者的意图。一幅书法作品，只需要一个字，就能表达出作者的艺术构思、审美情趣。可以说，这是一种最简单容易的事情。但是如果要知道其中的奥妙，粗看深不可测，细细观察和品味，感觉弥足珍贵。此时书写者的本意虽然已经封存或迷糊，但由于你的心追目极，依依不舍，已经进入到一种妙不可言的状态。

书法艺术家在毕生的修炼中，不仅要掌握汉字文字学方面的有关专业知识，还应该从张扬中华民族精神的层面出发，去挖掘蕴藏于汉字中的古代哲学、造字本意，以及字义在当代文化生活中的运用、生发、巧用等等。并将这些开挖出来的宝藏，运用到当代书法创作中去。

从长期的实践中体会到，如果你对字义有了深刻领悟之后，所创作出来的作品不仅会与众不同，而且会对你的艺术风格的形成、塑造起到推波助澜的作用。

书写内容与创作主体的精神面貌如果能够高度吻合，这是产生优秀作品的前提。因此，每一位书家都会选择自己喜欢写的内容去创作。

书法家所写的内容虽然会受外界的左右或影响，但是选择自己喜欢的内容，始终是产生优秀作品的必要前提。这是因为作品的内容所要呈现的＂意味＂，恰巧与创作主体的性情能够高度吻合的结果。

纵观几千年的中国书法史，甲骨、钟鼎、，石刻和写经或手札，除了其叙述的内容还有其特殊的史料价值以外，高度程式化了的＂作品＂，已经极大地模糊了作者的艺术创作过程，很难区别同一作者的两件作品有什么根本性的区别。例如：颜鲁公的《多宝塔》与《勤礼碑》，柳公权的《神策军碑》与《玄祕塔》，或者王系只的《伯远帖》与《丧乱帖》，除了他们书写的年代不同，年龄不同，内容不同之外，基本只是＂为书而书＂，只是为我们呈现了每一位书法家的基本＂形象＂而已。

但是，《兰亭序》、《祭侄文稿》和《寒食帖》就不一般了。书圣王羲之在浙江兰亭，以文会友，饮酒赋诗，辑成一集，并作序抒写内心的感觉。内容、书风堪称尽善尽美，成为千古赞颂的＂天下第一行书＂。《祭侄文稿》是颜鲁公为纪念自己的侄子而写，通篇用笔情如潮涌，气势磅礴，一气呵成，被称之为＂天下第二行书＂。苏轼的《寒食帖》，是东坡先生在被贬黄州后第三年的寒食节，所作的二首五言诗，表现了其当时惆怅、孤独的心境，也是一件有感而发的佳作，后被称之为＂天下第三行书＂。

按理说，艺术家只管创作，管不了别人喜欢与不喜欢。但是艺术家也深知，作品的接受度多少？会直接影响艺术家个人的成功指数。

艺术家的成功指数，就是艺术家的幸福指数。你的作品如果没有观众，或少有观众，都是值得深思的问题。

艺术家的作品没有观众或少有观众，但是有这么两种情况：一是曲高和寡，你自以为是，别人看不懂。二是水平低下或俗不能赌。

艺术作品被观众接受的程度多少？主要取决于艺术家自身。其中包括艺术水准、学术涵养、创作内容等等。当然也受到经济条件、社会环境、媒体宣传、甚至艺术家个人身份等的影响。

归根结底，艺术家的作品有多少社会关注度？成功与否？或估计一下作品的接受度多少？都是有艺术家自身决定的。

人是社会的产物，艺术家也是如此。每一位艺术家都不可能完全脱离社会环境而存在，你可以在你认为可以的条件下，尽情地玩，由着性子创作。但如果想示人，想参与展览，想要有观众，就不得不考虑社会的关注度。

一件作品的关注度多少？也是由你的承受能力决定的。有的人自信自己的创作具有超前性，将会引领下一代欣赏者，甚至可以引领一代人的价值取向。实现了，你是拓荒者。没有成功，你只是一个弄潮儿。

生存是硬道理。因此，艺术家也必须回到现实中来，先要生存下去，才能考虑艺术的提高与发展问题。

因此，艺术家必须先考虑自己的作品，有一个自己可以认可的受众面和接受度。然而，不失时机地提高作品的艺术品位和水准。兼顾好受众面和接受度与提高作品的品位和水准，始终是艺术创造者必须把握的度。

为了把握好这个＂度＂，艺术家既不能完全由着性子创作，也不能没有个性完全迎合大众的口味。不接地气的创作没有活路，没有个性的作品也没有生存空间。

一件艺术作品的产生之后，自然会遇到一个如何理解？如何欣赏？和如何评价？的问题。

观赏者也分三六九等，不同的人会对同一件作品，评出个不同的结果，那是一件很正常的事。问题是你会不会欣赏？有没有水平去欣赏？这不仅关系到你对艺术作品的正确评价，也是检验欣赏者水平高低的一种尺度。

那么，如何才能提高欣赏水平？打个比方，面对一件书法作品，如果你只能说喜欢或不喜欢，与还能说出我喜欢的原因或不喜欢的原因，那水平是不一样的。如果你还能分辨出作品的书体或作品风格的来源，你又进了一步。如果你能从书法历史发展的脉络中，对面前的作品评说出它的价值与地位，你就有了相当的欣赏高度。如果你能对作品既作纵向又作横向的比较，从而发些作品的优点或缺点，你的欣赏水平就有了相当的广度。如果你在上面的基础上，还能对眼前作品的生存空间、今后的发展前途，做出一些思考和判断，那你的欣赏水平又增加了深度。

讲到底，高水平的欣赏是对作品的再创作。为了欣赏，你也必须不断学习，不断进取，不断提高自己。如果你达到了笔者所说的高度、广度和深度，你离开成为一个艺术评论家不远了，离开成为一名艺术的创造者也不会太远了。

艺术家不仅要听取平民百姓对自己作品的评头论足，更要吸取高水平的艺术评论，与艺术评论家交朋友，与资深的前辈一起谈艺论道。

书法艺术从章法上的虚实不确定，墨色变化上的浓淡不确定，结体上的组合排列不确定，用笔的轻重、方圆、疾徐等不确定， 笔势变幻的断续、正侧、转折、挪移等的不确定。这些几乎无法穷尽的不确定，注定了中国书法艺术的感神秘感和模糊性。也有人把这种现象称之为＂最具禅意的艺术＂或称之为＂最富有哲理的艺术＂。

书法艺术在创作过程中存在的这些无穷尽的＂不确定＂，也是书法艺术具有不可重复性、具有强大生命力的根本原因。

虽然书法已经从实用型逐渐转化为艺术性。但是，笔者不同意＂当代书法会从实用性彻底转化为一种纯艺术＂的提法。

中国书法从一开始就以文字为基本元素而存在，无论是甲骨、钟鼎、帛书、手扎和石刻，所变化的只是载体，所不变的是文字。可以这样说，中国书法不可能离开汉字。

如果说：当代书法已经从实用走向了艺术，从实用性减弱，艺术性递增的角度看，这句话是正确的。因为当代书法已经不是仅为实用而创作，而是为艺术欣赏而创造。但是，如果说甲骨文、钟鼎文没有艺术性，却也不是事实。看似排列无序，实则自然有序的甲骨文字，浑厚饱满铸造于青铜器上的钟鼎文。你能说它没有艺术性吗？纵观汉字艺术的发展史，甲骨有甲骨的铁画银鈎，钟鼎有钟鼎的庄严神圣。每一种书体都各领风骚几百年，甚至直到今天光彩夺目，令人膜拜。

书法从实用走向艺术，很重要的标志是从纯文字，向关注并利用由文字产生的文学作品开始。例如，诗、词、歌、赋被广泛用于书法创作之后，书法的艺术性得到了显著提升。特别是当这些喜闻乐见、脍炙人口的优秀诗文作品，与美妙的书法线条、汉字结构融合后，产生了更为直观、更富有视觉感染力的书法作品。

在我看来，优秀的文学作品，使书法创作更有激情，极大地提升了书法的艺术性。反过来，由于书法的介入，文学作品又多了许多展示的舞台和空间，并且更为直观，进一步物化地进入人们的视觉感官，而这就是可以收藏并永远值得玩味、想象的艺术品。这就是为什么收藏一本书，与收藏一件书写了文学作品的书法作品，其价值不同的原因。

书法是无声的音乐。书法作品虽然没有声音，但它可以从线条、结体、章法中体现音乐的节奏，具备音乐的时间流动性和节奏感。

书画同源，书法还是最抽象的绘画，汉字的形成与演变，大多与具体物象有着密切的关联。因此，有了＂象形文字＂这个美称。中国书画的共同点很多，在章法、结构、气韵、意境，以及用笔方法等诸方面都有着类似或完全趋同的法则。

如果说书法与建筑有什么相关的话，那就是空间造型的类似。笔者曾说过：两者的共同点都是分割空间，这不过书法是在一张纸上分隔空间，而建筑是在地球上空间。具体的表现形式是，书法通过对文字笔画的排列组合，在纸上分割出一个个新的空间，而建筑是在一方土地上将大空间分割出一个个小空间，并赋予不同的功能，因此有了客厅、厨房、房间区别。两者对于平衡、匀称、变化、协调、疏密、大小、虚实、主次、衔接等都有相同的要求和类似的理念。